Биографии знаменитостей: художник 2021

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Читайте также:
Иван Абрамов (Стендап) – биография, фото, личная жизнь, жена, дети, рост и вес 2021

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Три самых успешных современных художника в первом полугодии 2021
ARTinvestment.RU 27 июля 2021

Помимо ожидаемого лидера Жана-Мишеля Баскии, в тройку авторов, чьи работы были проданы за наибольшие суммы в рассматриваемый период, попали также Beeple и современный китайский художник Чэнь Даньцин

Портал Artprice опубликовал тройку самых успешных современных художников первой половины 2021 года. В рейтинг попали те авторы, чьи работы в рассматриваемый период были проданы за наибольшие суммы. Предсказуемому лидеру Жану-Мишелю Баскии составили компанию цифровой художник Beeple, а также относительно новый для западного арт-рынка китайский художник Чэнь Даньцин.

  • Жан-Мишель БАСКИЯ In This Case. 1983
    Холст, акрил, масляный карандаш. 197,8 × 187,3
    Christie’s. Май 2021
    Цена продажи: $93,1 млн
    Источник: christies.com

В первом полугодии 2021 года аукционный оборот работ Жана-Мишеля Баскии достиг впечатляющей суммы $261 млн, что делает его не только самым успешным из современных художников, но и вторым автором в мире по объемам продаж после Пабло Пикассо (оборот $296 млн с января по июнь 2021 года). Пять из шести лучших результатов современного искусства, достигнутых в рассматриваемый период, принадлежат произведениям Баскии, и что интересно, три из пяти этих работ были проданы в Гонконге (ранее значимые работы художника выставлялись в основном в Нью-Йорке и Лондоне). Самой дорогой у Баскии стала работа In This Case, проданная на торгах Christie’s в Нью-Йорке за $93,1 млн с учетом комиссии.

Читайте также:
Александр Лымарев биография, фото, рост и вес, личная жизнь и жена 2021

  • BEEPLE Каждый день (Первые 5000 дней). 2007–2021
    Невзаимозаменяемый токен
    Christie’s. Март 2021
    Цена продажи: $69,3 млн
    Источник: christies.com

На втором месте в тройке самых успешных современных авторов — цифровой художник Майк Винкельман, выступающий под псевдонимом Beeple. Этот новичок в мире аукционов стал сенсацией в марте этого года, когда его цифровой коллаж «Каждый день: первые 5000 дней» был продан за $69,3 млн на торгах Christie’s. Коллаж из 5000 тысяч оригинальных снимков, которые Beeple делал каждый день на протяжении 13 лет, является еще и невзаимозаменяемым токеном (NFT). Торги проходили онлайн, а работу победителю разрешили оплатить в криптовалюте (42,329 этериума). Это был первый случай, когда NFT выставил на торги традиционный аукционный дом вроде Christie’s. Его примеру вскоре последовали и другие аукционы, продажи всевозможных токенов пошли вверх. А Майк Винкельман по аукционному обороту за первое полугодие 2021 года в итоге оказался на третьем месте среди ныне живущих художников (после Дэвида Хокни и Джеффа Кунса).

  • Чэнь ДАНЬЦИН Пастухи. Из «Тибетской серии». 1980
    Доска, масло. 78,6 × 52,3
    Poly International Beijing. Июнь 2021
    Цена продажи: $25,15 млн
    Источник: en.thevalue.com

Замыкает тройку лучших результатов современного искусства в первом полугодии работа китайского художника Чэнь Даньциня. Этот автор, родившийся в Шанхае, но с 1980-х постоянно проживающий в США, очень популярен у себя на родине, но мало известен на Западе (даже несмотря на его участие в Венецианской биеннале и выставке Музея Гуггенхайма). Чэнь Даньцинь особо любим соотечественниками за реалистичную «Тибетскую серию» картин, созданную через четыре года после окончания культурной революции в Китае (в годы культурной революции художник прилежно рисовал портреты Мао Цзэдуна). Работа «Пастухи» из «Тибетской серии», изображающаяся пару пастухов за мгновенье до поцелуя, на торгах Poly International в Пекине в июне 2021 года была продана за $25,15 млн. На данный момент это лучший результат для современного китайского художника: работа Чэнь Даньциня превзошла рекорды Цзэн Фаньчжи ($23,3 млн) и Чэнь Ифея ($22,6 млн).

Материал подготовила Мария Онучина, AI

10 самых дорогих современных художников России

Выясняем, что известно об их работах и сколько они стоят.

Саня Кантаровский. Contamination, €106 000

Американский художник родился в Москве в 1982 году. Он учился живописи в школе дизайна в Род-Айленде, а затем получил степень магистра в области изящных искусств в университете Калифорнии. Его работы можно найти по всему миру: в лондонской галерее Tate, в парижском фонде искусств Kadist, в фонде EMDASH в Берлине, в многочисленных музеях США. Кантаровский сотрудничал с известными галереями искусств, а также принимал участие в Триеннале российского современного искусства (музей современного искусства «Гараж», 2020 г.). На ней он представил работу, связанную с наследием его бабушки. Она была преподавателем русского языка и фотографом, и из нескольких тысяч снимков пять вместе с монотипиями стали частью экспозиции.

Саня Канторовский, Contamination

На творчество Кантаровского повлияло творчество Гогена, Матисса, Пикассо, Шагала, а также народные сказки, мультфильмы и детские книги. В интервью Саша признавался, что юмор занимает центральное место в его работах [1]. Картина Contamination Саши Кантаровского была продана на аукционе Sotheby’s за €106 000.

Егор Кошелев. Орел торжествующий (5 частей), €14 000

Егор Кошелев родился в Москве в 1980 году, окончил в МГХПА им. С. Г. Строганова кафедру монументальной живописи. После института изучал историю искусства Италии — преимущественно позднего Ренессанса, маньеризма и барокко. Кандидатская диссертация посвящена искусству Тинторетто [2].

Егор Кошелев. Орел торжествующий (5 частей)

Его первые произведения были созданы в 2005–2006 годах, затем он начал активно участвовать в выставках. Кошелев работает живописцем, графиком, автором инсталляций, пишет критические статьи, читает курс по современному русскому искусству в Московской государственной академии промышленно-прикладного искусства. Егор — лауреат международной премии Strabag Award (2012), его работы находятся в собрании Московского музея современного искусства Deutsche Bank, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.

Его монументальное произведение «Орел торжествующий» было продано на аукционе Vladey за €14 000.

Читайте также:
Биографии знаменитостей: телепродюсер 2021

Влад Кульков. Суперцветоломкая, антидот для цивилизации. Из проекта «Бисер из Хиросимы» (диптих), €12 000

Художник Владислав Кульков родился в Латвии в 1986 году. Он окончил Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию им. А. Л. Штиглица, а затем аспирантуру Государственного Русского музея. Влад начал участвовать в различных выставках в России и за рубежом, в том числе в Московском биеннале современного искусства разных лет, Европейском биеннале, а также в проектах в Русском музее и Музее Москвы.

Влад Кульков, Суперцветоломкая, антидот для цивилизации. Из проекта «Бисер из Хиросимы» (диптих)

Работы Влада можно найти в частных галереях в России и за границей. Он также ведет активную кураторскую деятельность. Художник работает со скульптурами, а его технику живописи относят к абстрактному экспрессионизму [3].

Персональная выставка Кулькова под названием «Диптих из Хиросимы» проходила в 2016 году на Винзаводе. Его работа из проекта была продана на аукционе Vladey за €12 000.

Владимир Логутов. Из серии «Руины индустриального», €12 000

Художник Владимир Логутов родился в 1980 году в Самаре, окончил Самарский педагогический университет. Владимир дважды номинировался на премию Кандинского, премию «Инновация», участвовал в крупных групповых выставках в России и за рубежом, в том числе в 54-й и 55-й Венецианской биеннале. Он также является автором художественной группы «Лаборатория», а его персональные выставки неоднократно проходили в России. В 2005 году Владимир получил стипендию на стажировку в Германии.

Владимир Логутов. Из серии «Руины индустриального»

Художник работает в жанре видеоарта, инсталляции, а также занимается графикой, скульптурой и живописью. Картины Логутова есть в частных галереях, в Московском музее современного искусства, в The Museum of FRAC Bretagne и других.

Скульптура «Руины индустриального» Владимира Логутова была продана на аукционе Vladey за €12 000.

Артем Лоскутов. Из черной резины сделана власть, €10 000

Артем родился в 1986 году в Новосибирске и окончил физико-технический факультет НГТУ. Изначально Лоскутов прославился организацией ежегодного шествия-хэппенинга «Монстрация» в Новосибирске, который получил премии «Инновация» и фестиваля некоммерческого кино «Киноварь». Он также занимается стрит-артом, снимает кино и пишет картины. Более 30 его работ были написаны так называемой «дубинописью» (собственный стиль Артема) — краска наносится на полотно с помощью полицейской дубинки. В 2019 году продано 30 работ художника [4].

Артем Лоскутов. «Из чёрной резины сделана власть»

В 2020 году одну из таких картин под названием «Беларусь» он продал за 3 млн рублей покупателю, который предпочел остаться неизвестным [5]. Половину суммы Артем перевел на поддержку протестных движений в Республике.

Произведение Артема «Из черной резины сделана власть» было продано за €10 000 на аукционе Vladey.

Нестор Энгельке. Деревянная Даная. Из серии «Деревянные прогулки по Эрмитажу», €9 000

Нестор Энгельке — потомственный архитектор, родился в семье архитекторов и искусствоведов. Он окончил Санкт-Петербургскую академию художеств имени И. Е. Репина и стал практикующим архитектором. Еще в Академическом художественном лицее имени Б. В. Иогансона в старших классах Нестор начал близко общаться с Александром Цикаришвили и Леонидом Цхэ, и благодаря этой дружбе появилось арт-объединение «Север-7».

Нестор Энгельке. Деревянная Даная. Из серии «Деревянные прогулки по Эрмитажу»

Как художник Энгельке предпочитает работать по дереву. Он разработал технику «деревописи» и сделал этот материал основной темой своего искусства. Энгельке использует дерево в качестве холста, работая по нему топором вместо карандаша. В одном из своих интервью Нестор также упоминал, что большое влияние на него оказали работы, увиденные на выставке британского искусства «Новояз» в Эрмитаже [6].

«Деревянная Даная» Нестора Энгельке из серии «Деревянные прогулки по Эрмитажу» была продана на аукционе Vladey за €9 000.

Светлана К-Лие, Самурай, €9 000

Светлана К-Лие родилась в 1977 году в Москве, живет в Великобритании. Она работает с разными материалами и в разных техниках, в том числе с фотографией, офортом, гравюрой, живописью. Светлана переехала в Лондон в 2007 году, где окончила Камберуэллский колледж искусств со степенью магистра искусств по рисованию. Ее дипломная работа была отобрана для выставки Xhibit 07 и высоко оценена журналом Time Out. В 2004 году Светлане присвоено звание лучшей женщины-скульптора России, а в 2005 — лучшего молодого скульптора России.

Читайте также:
Николай Добрынин биография актера, фото, рост и вес, его семья и жена 2021

Светлана К-Лие, Самурай

Две работы Светланы, «Бык» и «Беременная тыквами», выставлены в Эрмитаже, другие произведения находятся в частных коллекциях и музеях. Также она постоянный участник групповых и персональных выставок в Париже, Лондоне, Москве и других крупных городах. В 2010 году К-Лие приняла участие в одной из самых крупных благотворительных групповых выставок, организованных лондонской галереей Saatchi. В 2013 году персональная выставка Светланы под названием «Мясо» прошла в Москве. В ней К-Лие хотела отразить реальность со всеми ее проблемами: насилием, жестокостью, кровью. В рамках экспозиции был представлен ролик «A woman is seen as a prostitute in Russia whether she sleeps with president» («В России женщину считают проституткой — независимо от того, спит ли она с президентом»), который выражал ее позицию на тему феминизма и отношения к женщине в России.

Произведение Светланы «Самурай» было продано на аукционе Bonhams за €9 000, и это стало аукционным рекордом цены за ее работу.

Алексей Азаров. All you need is love. Из серии Policy Of Truth, €8 000

В профессиональной биографии Алексея Азарова — работа в качестве иллюстратора пластинок и фирменных товаров известных музыкантов, инженером компьютерной графики и моушн-дизайнером на телевидении, а также иллюстратором в печатных СМИ.

Алексей Азаров. All you need is love.

Сегодня художник увлекается сатирическими образами, отражает в своих произведениях социально-политическую жизнь. Техника стрит-арта в его работах совмещается с живописью. Картины с фирменной подписью художника AZART находятся в разных частных коллекциях и музейных фондах. В феврале 2021 года на Винзаводе прошла персональная выставка Азарова «Wake up!». Она была посвящена личности Ленина: художник написал ряд работ, в которых «оживил» вождя и поместил в современные реалии.

Произведение Азарова «All you need is love» было продано на аукционе Vladey за €8 000.

Валерий Чтак. Из серии «Это просто совпадение», €8 000

Валерий Чтак родился в 1981 году в Москве. По образованию — библиотековед. Состоял в различных художественных группах (например, «Радек»). С 1998 года он стал участником Школы современного искусства Авдея Тер-Оганьяна. Его работы становились частью групповых выставок, а персональные презентации проходили в разных музеях и галереях России и за границей. Творения Чтака также находятся Московском музее современного искусства, в Государственной Третьяковской галерее, в частных коллекциях.

Валерий Чтак. Из серии «Это просто совпадение»

В своих произведениях художник использует холст, бытовые предметы, доски, также занимается графикой и создает инсталляции. Чтак активно внедряет текст на разных языках как один из компонентов своих работ.

Произведение Валерия из серии «Это просто совпадение» было продано на аукционе Vladey за €8 000, и это стало аукционным рекордом художника.

Леонид Цхэ. Дон Кихот, €7 000

Леонид Цхэ родился в 1983 году в Ленинграде. Он окончил Санкт-Петербургскую академию художеств им. И. Репина, графический факультет. С 2010 года Леонид — член Союза художников, а также преподает в Академии художеств и является участником арт-объединения «Север-7». Он занимался книжной иллюстрацией, а его карьера в области современного искусства началась после окончания «Школы молодого художника» Института «ПРО АРТЕ».

Леонид Цхэ Дон Кихот, 2019

Первая персональная выставка Цхэ «Неопетербург» состоялась в 2015 году в галерее Namegallery. Главный мотив в работах Леонида — городские пейзажи, повседневная жизнь. Цхэ также был участником 6-й Московской международной биеннале современного искусства и параллельной программы биеннале Manifesta в Санкт-Петербурге.

Работа «Дон Кихот» была продана на аукционе Vladey за €7 000.

Комментарий эксперта

Мария Доронина, куратор, старший научный сотрудник научного отдела ММОМА

В списке Forbes можно уловить определенные общие тенденции. С одной стороны, уже долгое время широкий и активный интерес вызывает стрит-арт — с его прямой и ясной поп-интерпретацией актуальной повестки, в том числе политической. С другой, сохраняют свою важность тенденции, которые можно размашисто обозначить общим термином «метамодернизм».

Аукционы Vladey, Sotheby’s, Bonhams концептуально довольно сильно разнятся между собой. Каждый из них имеет свою специфику и собственную аудиторию. Довольно сложно идентифицировать какое-то единое, общее лицо их действующих и потенциальных клиентов — так же, как невозможно сформировать четкий и универсальный образ музейного посетителя.

Читайте также:
Александр Галибин – биография, фото, личная жизнь, семья, дети, последние новости 2021

Сегодня покупатели аукционов — люди, разбирающиеся в искусстве, коллекционеры и даже те, кто просто имеет возможность приобрести произведения. Суждения о процентных соотношениях в их количестве в любом случае будут ситуативны — и во многом привязаны к конкретному аукционному дому и к конкретному случаю.

Общая осведомленность и интерес к современному искусству только растут. С другой стороны, доступность работ, например, современных авторов — во многом благодаря деятельности Vladey — становится все более широкой. Невозможно не заметить процессов демократизации и в том, и в другом случае.

Пока трудно судить, какова мощность бума аукционных продаж наших художников. Преждевременно делать любые прогнозы о будущем интересе к российским авторам, но, конечно, влияние пандемии на искусство, музеи и рынок невозможно игнорировать — как и на все остальные стороны жизни.

На фоне всеобщего локдауна довольно активную роль сыграли «низовые» микроинициативы, нацеленные на поддержку художников и прямые продажи каких-то некрупных работ по довольно доступным ценам. На сегодняшний день финансовое вложение, возможно, больше, чем прежде носит не только характер прагматический или эстетический, но и этический. Коллекционеры и ценители искусства сознательно более активно поддерживают художников в текущий нелегкий период, который, хочется верить, скоро закончится.

Никас Сафронов

Биография

Никас Сафронов — российский художник, творчество которого было неоднократно отмечено международными и государственными наградами, в том числе и званием «Заслуженный художник Российской Федерации». В то же время живописец тратит большие суммы на благотворительность и помощь молодым талантливым коллегам, помогая развивать искусство в России.

Детство и юность

Никас Степанович Сафронов (настоящее имя — Николай) родился 8 апреля 1956 года (знак зодиака — Овен) в городе Ульяновске. Воспитывался в небогатой многодетной семье — у художника четверо старших братьев и младшая сестра. Отец Степан Григорьевич Сафронов был военным, вышедшим в отставку к моменту рождения Николая. Династия Сафроновых состоит из потомственных священников, родословная которых прослеживается до 1668 года. Семья Николая со стороны матери Анны Федоровны родом из города Паневежис и имеет финско-литовские корни. Отсюда и литовское происхождение псевдонима, выбранного художником.

Творческая биография Никаса началась еще в детстве: юноша копировал иллюстрации из школьных учебников и делал попытки выработать собственный стиль, где в манере, близкой к романтизму, воплощал собственные мечты о приключениях и путешествиях.

Окончив 8 классов средней школы, Николай отправился из родного Ульяновска в Одессу и поступил в мореходное училище. После первого года обучения Сафронов оставил морское дело и переехал в Ростов-на-Дону, где подал документы в художественное училище имени М. Б. Грекова. В молодости пробовал себя в качестве художника-бутафора в Ростовском театре юного зрителя и одно время подрабатывал дворником, грузчиком и сторожем. В 1975 году Никас ушел в армию, так и не окончив училище.

После армии парень перебрался в Паневежис, родной город его матери, где продолжил карьеру театрального художника-оформителя. В 1978 году переехал в Вильнюс и поступил в художественную академию на факультет дизайна.

Творчество

После пяти лет учебы амбициозный дизайнер отправляется завоевывать столицу и поступает в Московский академический художественный институт имени В. И. Сурикова. Кроме того, коллекцию дипломов Сафронова пополнил столичный университет технологии и управления, в котором он учился на факультете психологии.

Выставлять свои работы Сафронов начал с 1972 года. После выставки в 1978-м о художнике заговорили как о талантливом сюрреалисте. Первая серьезная экспозиция состоялась в 1980 году в Вильнюсе. Позже, переехав в Москву, Никас работал арт-директором журнала элитной недвижимости «Пентхаус», совмещая эту деятельность с работой оформителя в журналах Aura-Z, «Дипломат» и «Мир звезд».

Несмотря на то, что Никас уже был известен в узком кругу художников, мировая слава пришла к нему в начале 90-х годов прошлого века. В то время Сафронов начал трудиться над серией полотен с портретами общественных деятелей и политиков. Среди его клиентов — президенты Владимир Путин и Александр Лукашенко, многие высокопоставленные чиновники России, Украины, Беларуси и Туркменистана, а также знаменитости, в числе которых Никита Михалков, Филипп Киркоров, Николь Кидман.

Даже самые близкие мне люди очень редко бывают в моих мастерских. Для меня мастерская – это мой маленький мир, только.

Ряд этих портретов входит в серию работ под названием «Река времени». Ее отличительной чертой является парафраз великих произведений прошлого и просто стилизации, выполненные в духе фламандской школы эпохи Ренессанса, где знаменитые люди современности представлены героями сюжетов старинных полотен.

Читайте также:
Егор Борисов (экс-глава Республики Саха) – биография, фото, образование, личная жизнь 2021

В 2005-м Никас создал автопортрет в костюме капитана Блада, на котором представил себя серьезным и задумчивым. Такой образ художника был высоко оценен критиками.

Выставки Сафронова проходили в крупных городах СНГ. В 2007 году экспозиция его картин находилась на территории Кремля в корпусе управления делами президента Российской Федерации. Заказывают портреты или пейзажи Никаса только обеспеченные люди, так как стоимость полотен варьируется в пределах $ 6–10 тыс.

В работах художник использует особый стиль, в который вкладывает обобщение творческого метода, где классическая живопись сочетается с использованием воображения и интуиции.

В ноябре 2016 года Никас поделился новостью, что написал портрет Дональда Трампа. Правда, в спешке спутал Белый дом с Капитолием.

Как слабоумный художник-иллюстратор создавал жутко-интересные сюжеты: Выдуманные истории Генри Даргера

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Неожиданное открытие

В 1973 году, когда Натан Лернер убирал квартиру бывшего арендатора, он обнаружил тот самый удивительный мир в рисунках, наспех оставленных Генри Даргером, который, покинув это место, переехал в дом престарелых. Натан был удивлён, обнаружив необычайное количество произведений искусства и сопутствующей литературы, над которыми Генри работал всю свою жизнь. Все эти вещи были помещены среди странного беспорядка, оставленного художником.

Художник-аутсайдер

Сегодня Генри известен как типичный художник-аутсайдер, а его картины и иллюстрации выставлены в известных музеях, таких как МоМА и Американский музей народного искусства. Его работы продаются за сотни тысяч долларов на престижных художественных ярмарках и аукционах, таких как Christie’s. Искусство аутсайдера в настоящее время является популярным и коллекционным художественным стилем. Термин впервые был введён искусствоведом Роджером Кардиналом в начале 1970-х годов и является синонимом ранее существовавшего художественного стиля Art brut, который переводится как сырое или грубое искусство.

Искусство

Художники-аутсайдеры — это как правило художники-самоучки или наивные художники, которые не связаны и не подвержены влиянию или воздействию массовой культуры. В результате они закрепляют совершенно уникальный, индивидуальный стиль, который отклоняется от нормы. Искусство аутсайдеров славится тем, что передаёт нетрадиционные идеи, такие как фантастические страны, вымышленные миры и неведомые существа.

Учитывая эти определяющие характеристики, искусство аутсайдеров неразрывно связано с теми, кто находится на периферии основного общества, и практикуется ими. Например, художники-аутсайдеры могут быть пациентами психиатрической больницы, которые использовали свои произведения искусства как своего рода терапию, общение или способ побега.

Например, другим известным художником-аутсайдером является Адольф Вёльфли, который в двадцатом веке создал бесчисленное множество произведений искусства из своей камеры в швейцарском приюте, где он провёл большую часть своей жизни. Его работа, которая состояла из стихов, коллажей и закодированных музыкальных композиций, которые он якобы играл на бумажной музыкальной трубе, привлекла внимание доктора Уолтера Моргенталера, одного из психиатров учреждения.

Вместо того чтобы воспринимать творческие излияния Адольфа просто как симптом психического заболевания, Уолтер признал их свидетельством врождённых художественных способностей и преданности ремеслу. Впоследствии он опубликовал подборку работ Вёльфли в публикации под названием «Душевнобольной как художник». Другие художники, которые, как известно, создали некоторые из своих самых известных работ, будучи институционализированными, включают Винсента Ван Гога и Эдварда Мунка.

Детство Генри

Для Генри его художественная практика, по-видимому, мотивирована сочетанием терапии, общения и эскапизма. Биографы и историки искусства собрали воедино предысторию, которая изображает несколько трагическую жизнь. Генри родился в Чикаго в 1892 году и потерял мать из-за родильной горячки, когда ему было всего четыре года. Затем он прожил со своим отцом большую часть своего раннего детства, пока его отца не забрали в больницу Св. Дом Августина для престарелых. Подавая большие надежды в учёбе, Генри сначала был зачислен в государственную школу, но после смерти отца был отправлен в приют штата Иллинойс для детей с особыми потребностями, так как его психическое здоровье пошатнулось.

Читайте также:
Луис Хофманн (Louis Hofmann) – биография, фото, личная жизнь, девушка, рост и вес 2021

Бегство от институционализма

Считается, что Генри вёл там уединённое и довольно несчастное существование. Он был социально изолирован от своих сверстников из-за своего тихого характера и случайных вспышек, которые были приписаны его возможному синдрому Туретта. После смерти своего отца Генри боролся за то, чтобы сбежать из учреждения, и в конце концов сделал это успешно. С помощью дальнего родственника ему удалось найти случайную работу в католической больнице в качестве уборщика.

С этого момента он жил жизнью, которая казалась обычной. Жизнь, управляемая рутиной и привычками, в которой он сохранял один и тот же вид занятости до самой своей смерти. У него было очень мало друзей. Несмотря на то, что Генри занимался обычными повседневными делами, такими как посещение ежедневной мессы, он также собирал и сохранял у себя дома разнообразный мусор с улиц. К 1930 году Генри поселился в квартире, расположенной в Норт-Сайде Чикаго, где в течение следующих сорока трёх лет работал над своими многочисленными произведениями искусства.

История девочек Вивиан

Заключительный проект Генри — это увлекательное проникновение в его психическое состояние. Ведь в какой-то степени его собственное воспитание и детские переживания сформировали и повлияли на его работу. Работа «История о девочках Вивиан» рассказывает о войне между двумя нациями на безымянной вымышленной планете, где Земля идентифицируется как Луна. Главными героинями этой истории являются семь сестёр Вивиан, или принцесс Аббиенни, которые борются за справедливость против жестоких и злобных правителей Гланделинии, известных порабощением и жестоким обращением с детьми.

Христианская нация Аббиеннии в конце концов одерживает победу и убеждает своих заклятых врагов гланделинцев прекратить свои злые дела. Однако этот счастливый конец не обходится без испытаний и невзгод. Как сказано в Галерее Карла Хаммера: «Битвы, которые вызывает Генри, полны ярких событий: смена армий, зловещие захваты, штормы и взрывы, появление демонов и драконов». Действительно, в то время как герои этого сложного мира достигают своего счастливого будущего, этот вывод возможен только после того, как они подверглись порабощению, пыткам и варварскому насилию. Все это визуализируется Генри в кропотливых и часто шокирующих деталях.

Методы и материалы

Методы и материалы, которые использовал Генри, чтобы рассказать эту историю, неоднозначны. Похоже, он был не уверен в собственных художественных способностях и часто полагался на технику прорисовки фигур, используя свою коллекцию каталогов и журналов. Затем он расположил их в виде больших пейзажей и композиций, похожих на коллажи, где некоторые были двусторонними и шириной до девяти метров. Некоторые из них также были увеличены фотографически, чтобы их можно было проследить заново, добавляя дополнительные функции. Для раскрашивания своих иллюстраций он полагался преимущественно на акварели и разнообразную палитру с интенсивным использованием жёлтого, зелёного, серого и красного цветов.

Мотивация

Искусствоведы и психологи выдвинули множество теорий, касающихся Генри и его творчества. Его рисунки обнажённых детей привели к некоторым предположениям, что он мог быть педофилом, однако это так и не было доказано. Общепринятая теория состоит в том, что он использовал своих вымышленных принцесс-детей как метафору детской невинности, которую он сам потерял в детстве.

Поэтому многие воспринимают работу Генри как полуавтобиографическую и интерпретируют её как его потребность защитить детей от гланделинцев реальной жизни. Например, авторитетные деятели детского дома и приюта не справились со своими обязанностями по уходу и воспитанию уязвимых детей, находящихся под их опекой.

Наследие

Творчество Генри – прекрасный пример того, как искусство может быть использовано для передачи мощного и значимого повествования как для художника, так и для аудитории. После его смерти художник-аутсайдер получил значительное признание и известность. Его работы были представлены на выставках в авторитетных музеях. Его работы также включены в постоянные коллекции Музея современного искусства и Музея американского народного искусства, расположенного в Нью-Йорке.

В продолжение темы о неординарном творчестве, читайте также о том, как Ричард Дадд сорок лет провёл за решёткой психбольницы , создавая при этом поистине впечатляющие шедевры.

Читайте также:
Роджер Уотерс (Roger Waters) биография, фото, личная жизнь, слушать песни онлайн 2021

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

10 главных молодых художников России

Конкурс проектов Nova Art раз в два года помогает молодым художникам реализовать свои идеи и получить поддержку профессионального сообщества. По просьбе «Афиши Daily» галеристка Анна Нова и другие эксперты выбрали десять самых перспективных молодых художников, работающих в России прямо сейчас.

Эксперты

Евгений Антуфьев

Первая выставка Евгения Антуфьева «Объекты защиты» прошла на площадке «СТАРТ» еще в 2008 году. Антуфьев родом из Тувы — республики, где оккультные практики до сих пор не утратили своего значения. Его объекты, напоминающие предметы шаманского культа, находят все больше почитателей на мировой художественной сцене: в 2011-м Антуфьев стал участником выставки «Остальгия» в нью-йоркском «Новом музее современного искусства», а в 2016-м — представил свой проект в рамках «Манифесты-11» в Цюрихе.

Елена Артеменко

Елена Артеменко — скульптор и видеохудожник. Одна из центральных тем ее творчества — телесность. Для проекта Allowed Sweets Артеменко делала слепки с тех частей тела иранских женщин, которым позволено быть открытыми для посторонних глаз. Однако ее последняя работа — кинетическая инсталляция «Временный ландшафт» на «Электрозаводе» — обозначила новое направление и задала новую планку.

Ян Гинзбург

В своих проектах Ян часто обращается к наследию художников нонконформистов (не так давно он даже сменил свою фамилию на фамилию своего учителя, неофициального художника Иосифа Гинзбурга). При этом творческий метод Яна вовсе не сводится к research art. Работая с архивами и артефактами, Гинзбург создает объекты и инсталляции, которые с его легкой руки обретают свойства экспонатов или реликвий — пусть и не столь отдаленного прошлого.

Алиса Йоффе

Алиса Йоффе успешно сотрудничает не только с российскими галереями, но и развивает карьеру в Европе. Не так давно художница приняла участие в проекте одной из самых авторитетных галерей европы König Galerie, а одежду с принтами на основе ее графики несколько лет подряд выпускает культовый бренд Comme Des Garçons.

Влад Кульков

Петербургский художник Влад Кульков учился в академии Штиглица и аспирантуре Русского музея, однако не меньшее влияние на него оказали путешествия по Центральной и Южной Америке, поездки в Непал и Долину Смерти. Экспрессивные абстрактные полотна Кулькова напоминают окна в неведомый мир, в котором остались лишь слабые отпечатки присутствия человека.

Тимофей Радя

Уличный художник из Екатеринбурга с философским образованием успешно сотрудничает с музеями и институциями, предпочитая оставаться в тени и сохранять дистанцию. Радя покорил публику своими емкими и лаконичными работами («Я бы тебя обнял, но я просто текст», «Они ярче нас», «Кто мы, откуда, куда мы идем?»), смысл которых считывается сразу, не теряя при этом масштаба и глубины.

Алексей Таруц

В своих перформансах и выставочных проектах Алексей Таруц задает вопросы, принципиально оставляя их без ответов. Художник предстает в образе идеального рыцаря от искусства, и этот образ поддерживают артефакты в виде боевых доспехов и сторожевых башен, будто «оставленных» на выставке. Таруц весьма радикально миксует медиа: частью инсталляции может стать и живой перформер, и отпечаток лица художника на стекле.

Александра Сухарева

В 2012 году Александра Сухарева стала единственным российским участником проекта Documenta в Касселе, а два года спустя приняла участие в европейской биеннале современного искусства «Манифеста». Очертить творческий метод Сухаревой непросто. В разных проектах она обращается и к теме отражений, и к феноменам химических процессов (выбеливание холста хлором, коррозия) как к платформам «для нериторических форм записи знания», и к вопросам судеб конкретных людей в контексте коллективной исторической памяти.

Екатерина Муромцева

Отучившись на философском факультете МГУ, Муромцева окончила школу им. Родченко, и уже первая персональная выставка «На своем месте», проходившая в Институте философии РАН, привлекла пристальное внимание художественной общественности. Все работы Муромцевой — будь то тотальная инсталляция или серия акварелей — носят остросоциальный характер, при этом, по словам художницы, ее интересует «повествование, где документ и художественное воображение накладываются друг на друга».

Сергей Сапожников

Сергей Сапожников известен сегодня прежде всего как фотограф, однако начинал он свой творческий путь с граффити в родном Ростове-на-Дону. В 2014 году персональная выставка Сапожникова под кураторством Франческо Бонами прошла в миланском Музее Польди-Пеццоли. Не его фотографиях часто невозможно отделить модель от ландшафта, фон сливается с человеческими очертаниями, превращая снимок в абстрактный коллаж с эффектом трехмерной реальности.

Читайте также:
Михаил Абрамов биография бизнесмена, фото 2021

Топ-10 великолепных фактов о Микеланджело

Микеланджело — один из самых известных скульпторов и художников всех времён. Итальянский художник эпохи Возрождения повлиял на будущее западного искусства и был одним из самых успешных художников своего времени.

Работы Микеланджело можно увидеть по всей Италии, но самой известной работой мастера является Сикстинская капелла в Ватикане.

В этой статье мы познакомим вас с 10 великолепными фактами о Микеланджело.

10. Микеланджело был не только скульптором и художником, но и поэтом

фото: pixabay.com

Микеланджело прежде всего известен своими скульптурами и знаменитыми фресками Сикстинской капеллы, но он также и писал. Он сочинил порядка 300-500 стихотворений, которые являются свидетельством его способности к писательскому творчеству.

Считается, что за свою жизнь он написал несколько сотен сонетов и мадригалов. Общей темой его письменного творчества была романтика. Он также писал на тему старения. Он даже написал несколько поэм о гиперактивности своего мочевого пузыря.

Ни одно стихотворение или сонет Микеланджело не было официально опубликовано при его жизни. Несмотря на это, одно странное произведение, которое действительно было в ходу, было очень популярно среди литераторов в XVI веке.

9. Заказ Микеланджело на оформление Сикстинской капеллы был частью плана саботажа

фото: thefactsite.com

Когда Микеланджело заказали разрисовать внутри Сикстинской капеллы, он был известен своими скульптурами. Он занимался живописью, но это не было его специальностью.

Папа римский Юлий II выбрал Микеланджело, потому что его рекомендовал другой художник эпохи Возрождения, Рафаэль, который увидел возможность навредить карьере Микеланджело, выдвинув его кандидатуру.

Зная, что живопись не является специализированной средой Микеланджело, Рафаэль предположил, что его кандидатура прекрасно подходит в надежде, что это обернётся катастрофой и тем самым подорвёт карьеру Микеланджело как художника. Первоначально Папа рассматривал кандидатуру Рафаэля для выполнения работы, но в итоге выбрал Микеланджело.

Микеланджело знал, что это будет сложной задачей и сначала не решался принять предложение о работе. В конце концов, он согласился, и на создание этого шедевра ему потребовалось 4 года.

8. Он проектировал укрепления для Флоренции

Страстно любящий свою родину, Микеланджело однажды имел возможность проектировать укрепления города Флоренция.

В 1527 году правящая семья Медичи была изгнана, и власть на себя взяло правительство республиканцев.

Микеланджело предложили должность начальника городских укреплений. Он создавал эскизы городских стен и изучал другие итальянские города в поисках вдохновения.

В то время это было спорно, так как Микеланджело работал на Папу Римского Климента VII (в миру Джулио Медичи), но открыто поддерживал правление республиканцев.

Папа Климент VII мог казнить Микеланджело за его действия, но вместо этого простил ему этот акт измены и даже нанял его снова.

7. Микеланджело работал с девятью разными Папами

фото: pixabay.com

Карьера Микеланджело продолжалась на протяжении 70 лет, и за это время он получил множество заказов.

На протяжении своей карьеры он работал с девятью разными Папами как над личными, так и над общественными произведениями искусства.

Микеланджело работал над крупномасштабными проектами, такими как роспись Сикстинской капеллы и ручная резьба декоративных ручек кроватей для Пап.

Его первый заказ был получен от Папы римского Юлия II, а последним Папой, для которого он работал, был Пий IV.

6. Микеланджело изобразил самого себя на картине в Сикстинской капелле

фото: pixabay.com

Микеланджело подписал только одно своё произведение искусства. Это была скульптура “Оплакивание Христа” (Pietà), его первый скульптурный шедевр.

Скульптура была так прекрасна и создана таким молодым художником, что люди не верили, что это была его работа, поэтому он выгравировал своё имя на поясе Девы Марии.

После этого его подписью на работах живописи стало изображение самого себя.
Наиболее известный автопортрет — на фреске “Страшный суд”, которая находится на алтарной стене Сикстинской капеллы.

Автопортрет Микеланджело, скорее всего, нанесён на человеческую кожу, которую в руках держит Святой Варфоломей.

Читайте также:
Александр Галибин – биография, фото, личная жизнь, семья, дети, последние новости 2021

5. Микеланджело никогда не был женат

фото: pixabay.com

Про личную жизнь Микеланджело известно немного, но одно можно сказать наверняка: он писал любовные письма и сонеты. Было выяснено, что большинство его страстных любовных стихов было написано молодым людям.

Томмазо дель Кавальери получал от Микеланджело много романтических записок, и, похоже, тот что-то испытывал к Кавальери.

Позже, как выяснилось, Микеланджело писал сонеты Виттории Колонне, вдове. Она тоже писала стихи, и, похоже, с годами у них возникла романтическая дружба — они вместе писали сонеты.

4. Он был первым западным художником, который при жизни опубликовал свою биографию

фото: thefactsite.com

При жизни Микеланджело было написано даже две соперничающие биографии о нём. Живописец и архитектор Джорджо Вазари был первым, кто опубликовал биографию Микеланджело.

Глава о Микеланджело была частью серии биографий, основанных на жизни художника примерно в 1550 году. Микеланджело был единственным живущим на момент публикации книги художником.

Микеланджело не был впечатлён главой о себе, поэтому поручил своему помощнику Асканио Кондиви написать отдельную книгу.

Эта краткая биография была написана в 1553 году, и, как предполагается, описывала Микеланджело таким, каким он хотел себя изобразить.

3. Микеланджело жил, как бедный человек

фото: pixabay.com

Несмотря на свой усердный труд и на то, что Микеланджело был одним из самых известных художников и скульпторов в мире, он жил бедной жизнью.

Однажды он сказал своему подмастерью Кондиви: “Каким бы богатым я ни мог быть, я всегда жил жизнью бедняка”. Микеланджело говорил, что он ест потому, что это нужно, и что не находит удовольствия ни в еде, ни в питье.

Его биограф Паоло Джовио однажды сказал: “У него была настолько жёсткая и грубая натура, что его домашние привычки были невероятно запущенными и лишали его потомства учеников, которые могли бы последовать за ним”.

Говорят, что Микеланджело иногда спал в одежде и обуви.

Такое поведение демонстрирует, что, хотя он хорошо зарабатывал и имел возможность жить роскошной жизнью, он решил этого не делать.

2. Он работал вплоть до самой смерти

фото: thefactsite.com

Микеланджело был трудолюбивым человеком и страстно любил свою работу. Даже когда он стал слишком слаб, чтобы рисовать на месте заказа, он всё равно руководил и контролировал проекты, которые за ним числились.

Неудивительно, что после своей усердной работы он умер богатым человеком.

Его биография предполагает, что он довольствовался простой жизнью и продолжал работать из дома до самой смерти.

Он умер в 88 лет, что для того времени было весьма преклонным возрастом.

На момент смерти Микеланджело его поместье стоило 50.000 флоринов. Сегодня это эквивалентно примерно 35 миллионам долларов.

1. Статуя Давида была вырезана из забракованного куска мрамора

фото: thefactsite.com

Микеланджело знаменит своими прекрасными мраморными скульптурами и своими избирательными привычками в искусстве. Он тщательно отбирал каждый кусок мрамора для будущей скульптуры, чтобы гарантировать её долговечность.

Однако всемирно известная статуя Давида была вырезана из забракованного куска мрамора. Этот кусок был добыт в карьере, а затем оставался бесхозным на протяжении 40 лет, пока не попал в руки Микеланджело.

На мраморе уже были следы стамески, и он имел шероховатую поверхность после десятилетий воздействия окружающей среды. Но это не повлияло на решение Микеланджело вырезать из него статую Давида высотой 5,18 м.

Он начал свою 3-летнюю работу над скульптурой Давида 13 сентября 1501 года. К сожалению, недавно проведённый анализ статуи Давида показал более быстрый процесс разрушения, чем другие мраморные скульптуры того же возраста.

Считается, что изначально плохое качество мрамора означало, что его срок службы ограничен.

В заключение

фото: thefactsite.com

Микеланджело является одним из самых влиятельных художников всех времён. Его работы ежегодно восхищают тысячи туристов, а сам он является важной частью мировой истории искусства.

Микеланджело был человеком множества талантов, и человечество продолжает учиться на его технике живописи и скульптуры.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: